7. 2. Fontainebleau and Strapwork Style

FONTAINEBLEAU style

A partir de 1530, con inspiración en antecedentes en Italia, el equipo de diseñadores mandado llamar por el rey Francisco I de Francia decoró los palacios reales, especialmente Fontainebleau (1534-1537). Fueron especialmente relevantes Rosso Fiorentino y Primaticcio.

La decoración, realizada en estuco, constaba de grandes encuadres, efectuados con gruesas formas planas, curvadas, enrolladas, y recortadas de modos imaginativos. A ese soporte se añadían figuras. El resultado tenía una fuerza desconocida hasta entonces. La difusión fue desproporcionada, porque se grabaron una gran cantidad de láminas recogiendo toda la decoración, y otras ideas. Sin embargo, la influencia directa fuera de Francia fue pequeña.

DUCERCEAU

Las formas clásicas se difundieron pronto, pero no se recibió el gusto por la sencillez y monumentalidad. Los repertorios anteriores eran formalmente ricos y complejos, y se necesitaba obtener resultados que no desmerecieran de esa prolijidad. Se necesitaban sabores más inmediatos y fuertes.

En el último cuarto del siglo XVI, en Francia y en España, por patronazgo real, con el Louvre y El Escorial, se impondrá el clasicismo monumental, aunque tardará en generalizarse. Más al norte, la preferencia por los efectos principales se hará esperar por lo menos medio siglo más.

Sin embargo la invención en el diseño no se frenaba. Una buena muestra es la producción del arquitecto y grabador Jacques Androuet Ducerceau. Pertenecía a una familia del oficio de la arquitectura, y sus descendientes ocuparon puestos relevantes en la profesión. Su producción fue inmensa, abarcando desde tres libros de arquitectura a modelos de joyería. Aunque es una figura reconocida, todavía no tiene la fama que se merece.

Es el diseñador francés, y quizá europeo, más original; poco italiano, y en el fondo, poco clásico, pero inteligente y brillante; sus maneras se enclavan bien en la brillante serie de diseñadores franceses de mediados del siglo XVI, antes que la influencia italiana llegue a su colmo, y se destierren estas fantasías.

Estuvo activo desde 1550 hasta 1585, y sus láminas se siguieron publicando después de su muerte. Su inspiración era muy variada, aunque los resultados suelen ser personales. En todo caso, muy distintos, por lo general, de lo italiano.

BANDWERK-STRAPWORK. 1550-1620

A partir de las bandas del estilo Fontainebleau, los diseñadores flamencos crearon formas para realizar encuadres mucho más variadas. Las bandas se afinaron, formaron lazos, se atravesaban unas a otras, se recortaban en formas estrechas, se enrollaban al final, o terminaban en una especie de estoque finalizado por un trébol. Con frecuencia en los encuentros las bandas se escalonan, y aparece un típico orificio pequeño (un recuerdo romano).

Desde 1550, los creadores como Cornelis Floris de Vos y Jan Vredeman de Vries inundaron Europa de láminas, que publicaban las grandes prensas flamencas. Además de los Países Bajos, Alemania e Inglaterra absorbieron en gran medida esta decoración, que se empleó también en adornos arquitectónicos, como aletas y coronaciones. España se vio también afectada por su relación con Flandes. La moda fue muy persistente, durando hasta entrado el siglo XVII.

german carpenter architects . 1600-1650

En Alemania durante los dos primeros tercios del XVII se buscaron afanosamente maneras de suplementar con ornamentación a la contenida composición clásica. Se explotaban todos los registros posibles. Pero se debe a Wendel Dietterlin y a algunos seguidores como Georg Kramer o Daniel Meyer, que publicaron colecciones de láminas sobre arquitectura, la introducción de las maneras más atrevidas y renovadoras.

Se trata también de formas recortadas y superpuestas (por eso se les llama "arquitectos carpinteros"), a las que se añade una densa decoración que con frecuencia se sirve de formas más o menos geometrizadas. Rara vez se copiaron exactamente, pero inspiraron muchos motivos.

small scale ornamental systems

En los pequeños objetos se seguía la moda del momento, aunque con la libertad que daba el no sujetarse a los condicionantes del pes aparete que impone la arquitectura. Los trabajos en metal, para armaduras o joyas, repujadas y cinceladas, con incrustaciones, mantienen de todos modos muchos de los motivos habituales, más o menos inspirados en el grutesco. En estas pequeñas piezas se aplicaban en cambio con mayor facilidad motivos que podían extenderse, como sucede con los lazos, y particularmente con los arabescos.

ITALIAN sculpture and modeling

Italia nunca perdió el liderazgo en los modelos ornamentales con acantos; como se aprecia en ejemplos mucho más tardios, durante todo el siglo XVII.

Pero a fines del XVI y principios del XVII se publicaron en Italia diseños de tarjas o cartelas que intentaban ser imaginativos y renovadores, y empleaban una fuerte plástica, con formas modeladas en volumen, en las que se podían integrar figuras y otros adornos.

Ese fue el preludio para un diseño más audaz, con mayor movimiento en la silueta, y con una molduracion y modelado más vívido y denso. Las composiciones de Stefano della Bella, que pasó a Francia son especialmente hermosas e imaginativas conservando el equilibrio clásico, sin acudir a ingredientes estrafalarios. Este género es el mismo que el de las tarjas y cartelas contemporáneas, los grandes escudos que diseñan los grandes maestros como Bernini, y decoran la arquitectura monumental.

AURICULAR style (OHRMUSCHEL-KNORPELWERK)

Aunque no fue la única fuente, ese tipo de decoración conducida al extremo permitía presentar formas orgánicas, que recordaran partes del cuerpo humano, en las que se podían fundir otras extravagancias imitando formas naturales. La moda se llamaba auricular, porque recordaba la modulación fuerte e indefinible de una oreja. Surgió a principios del siglo XVII, y tuvo éxito en Europa central y Países Bajos. Afectó poco a la arquitectura, aunque se puede apreciar su influencia en algunos marcos o guarniciones de ventanas y puertas.